La familia tipográfica Helvetica crece. Así es Helvetica Now Variable
La fundición Monotype ha dado a conocer el lanzamiento de Helvetica Now Variable. Una nueva versión de la familia tipográfica Helvetica que se basa en el trabajo innovador de la versión Helvetica Now que fue lanzada en 2019 —y que en su momento tuvo tanto opiniones a favor como detractores—.
Según explican desde Monotype, la nueva fuente está dotada de “toda la claridad, simplicidad y neutralidad de la Helvetica clásica junto con todo lo que los diseñadores del siglo XXI necesitan (tamaño óptico, alternativas estilísticas y conjunto de caracteres extendido)”.
Una adaptación que “ofrece a los diseñadores más de todo: más libertad creativa; más expresión tipográfica; y más poder”.
La familia tipográfica Helvetica gana funcionalidad y personalidad
Con la revisión de Monotype, la familia tipográfica gana en varios frentes. Por un lado, destaca la funcionalidad, pero también, por otro lado, gana en personalidad. Aquí algunos detalles.
Por ejemplo, Helvetica Now Variable ofrece más de un millón de nuevos estilos Helvetica en un archivo de fuentes de última generación —más de dos millones y medio con cursiva—.
Además, esta nueva versión puede servir de apoyo, como una extensión de la familia Helvetica Now. De esta forma, permite hacer mezclas personalizadas a partir de sus pesos (desde Hairline hasta ExtraBlack); también ofrece tamaños ópticos (desde cuatro puntos hasta el infinito) y nuevos anchos comprimidos y condensados.
A su vez, mediante esta versatilidad, la nueva Helvetica Now Variable permite crear “infinitos tonos de expresión, increíbles animaciones tipográficas y una tipografía ultra refinada”.
Todo ello sin olvidar aspectos como la usabilidad y la agilidad. En este sentido, desde Monotype destacan la facilidad de uso del archivo de la fuente y la rapidez de carga.
¿Por qué una nueva versión de la familia tipográfica Helvetica?
Helvetica es la tipografía por excelencia de los diseñadores. Sus rasgos sans serif, elegantes, equilibrados y sin remates, han conquistado a todo tipo de marcas (American Airlines, Germanwings, Verizon…). Incluso hay quienes la consideran la mejor tipografía del mundo.
La limpieza de formas, su neutralidad y su asepsia, han sido durante años sus notas distintivas. Esas variables siguen siendo un referente. Sin embargo, hoy, después de más medio siglo de vida, se quedan cortas para dar soporte a la amplitud de variables que contempla el universo del branding.
Más personalidad y más actitud, acorde a las nuevas necesidades
Desde el nacimiento de Helvetica en 1957, de la mano de Max Miedinger y Eduard Hoffman, las necesidades de la comunidad de profesionales han crecido y las de las marcas también. Las tipografías tienen que ser funcionales, y también tienen que aportar personalidad y actitud. Y en este sentido, la neutralidad de Helvetica se quedaba corta. De ahí las distintas adaptaciones de la familia tipográfica Helvetica, cobren todo su sentido.
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LAD AWARDS, un referente del excelente nivel del diseño latinoamericano
Para los diseñadores latinoamericanos ya no es novedad que cada año hay que prepararse y decidir qué proyectos enviar a los LAD AWARDS, un concurso que se ha consolidado como el referente de la región en tan solo cinco años.
Este 2021, la ceremonia de entrega de premios ha sido inevitablemente virtual. Sin embargo, ha habido mucha emoción por parte de todos los participantes que el pasado viernes 9 de julio siguieron el evento online. Y sobre todo, el certamen ha dejado patente el gran escaparate que es para dar visibilidad al diseño en la región.
Una mirada particular al diseño
El diseño latinoamericano tiene unas características muy propias, tal y como destaca Richars Meza, reconocido diseñador peruano, fundador y organizador de los LAD AWARDS, quien es el auténtico impulsor del diseño en Latinoamérica.
Celebramos la mirada particular del diseño. Atrevida, inteligente, empática, activista, cargada de optimismo y amor. Bienvenidos a la quinta edición de los LAD AWARDS
Richars Meza
Con estas palabras daba inicio a la ceremonia de premiación. La expectación por parte del público estaba servida, por la cantidad de participantes de todos los países de Latinoamérica. Un dato. Este 2021 a los LAD AWARDS postularon proyectos de prácticamente todos los países de la región, con un total de 1.000 inscripciones desde 30 países.
Y sobre todo, también expectación por conocer los ganadores de este concurso amplio que da cabida a la extensa variedad de categorías que abarca el mundo del diseño: Branding, Graphic Design, Packaging, Editorial, Ilustración, Tipografía, Digital, Animación, Diseño de Moda y Textil y Diseño de Producto.
Ganadores LAD AWARDS 2021
Tres son los países que han brillado con luz propia en esta edición 2021 de los LAD AWARDS: Brasil, Colombia y México.
Mención especial merece Brasil, que con más de 100 trabajos seleccionados, no solo se consagra como el país más participativo, sino también como el más premiado. En segundo lugar quedó Colombia, con 40 nominaciones. Y el tercer puesto ha sido México con 28. De cerca le siguió Perú con 25. Y ya a una media distancia se sitúan: Argentina con 17, Estados Unidos con 15, Ecuador con 11, Guatemala con 7, Chile con 5 y Paraguay con 4.
Estudios referentes en diseño latinoamericano
Los estudios del año que requieren una visita obligada a su página web y redes sociales son tres. Porto Rocha, Tátil y Estudio Pánico. Vamos por partes:
En primer lugar, destaca el estudio brasilero con base en Nueva York Porto Rocha. Los trabajos de este estudio no son solo impecables, sino que tienen también un sello personal muy característico. A los mandos están Felipe Rocha y Leo Porta, que desde 2016 vienen desarrollando proyectos para marcas como Nike, Netflix y Airbnb, entre otras.
En segundo lugar, Tátil, también con sede en Brasil. Un estudio que trabaja la cultura de marca y que cuenta con un amplio recorrido. Por ejemplo, en su cartera de clientes encontramos marcas como Coca Cola, Danone y la marca de las olimpiadas Rio 2016.
Y en tercer lugar, Estudio Pánico, con sede en Quito (Ecuador) y Barcelona (España). Sus trabajos destacan por estar centrados en la sencillez y la verdad sin adornos; con acento en el lenguaje más allá de un logo.
Jurado internacional con profesionales top
La calidad de los proyectos de diseño vistos en el certamen lo han marcado no solo sus participantes, sino también el jurado, formado por profesionales internacionales de primer nivel. Nombres como Marina Willer (Pentagram), Brian Collins (Collins), Thomas Kronbichler (Studio Mut), Flávia Nalon (ps.2), Erik Kessels (Kesselskramer), Leonardo Ficcardi (Boldrini & Ficcardi) y Sebastián Padilla (Anagrama) han puesto el listón de calidad bien alto en esta edición.
Además, los LAD AWARDS son la culminación del LADFEST, otro proyecto organizado por Richars Meza. Un festival con exponentes de talla mundial, que ya se ha celebrado en varias ocasiones en la ciudad de Lima. En 2021 tenía planeado cambiar de sede a otra ciudad en Latinoamérica, pero a causa de la pandemia no ha sido posible.
Ahora los LAD AWARDS ya tienen la mirada puesta en la próxima edición. Estamos convencidos de que el 2022 traerá novedades y sorpresas, tanto en los LAD AWARDS como en el LADFEST. Y soñamos con el día en que por fin podamos volver a reunirnos, inspirarnos y conocernos para hacer más y mejor diseño latinoamericano.
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Cuando tu logo es tan conocido que lo puedes borrar: lo que nos enseña la última campaña de McDonald's
La compañía lleva años entregada al minimalismo y su última campaña de exteriores son imágenes pixeladas.
Hay un estudio estadounidense de hace unos años que marcaba cuándo los niños empezaban a reconocer a McDonald's. Era muy pronto, en la muy primera infancia. Antes de preescolar, los pequeños ya eran capaces de unir las letras rojas con la cadena de fast food. Sabían qué era y qué les iba a ofrecer.
El dato es uno de esos que se suelen recuperar cuando se habla del impacto que tienen el marketing y la publicidad en los niños, pero también uno que sirve para comprender cómo de potente y poderosa es la imagen de marca de McDonald's.
El gigante ha logrado, tras décadas de posicionarse en el mercado, lograr una de esas imágenes de marca que se han convertido en icónicas. Todo el mundo la tiene ultra presente y todo el mundo es capaz de identificarla. Incluso, si no está 'ahí', cualquier consumidor puede unir los puntos.
De hecho, la propia McDonald's ha jugado una y otra vez con esa idea. Su última campaña en Francia, diseñada por TBWAParis, celebra que los restaurantes de la cadena vuelven a estar abiertos y operativos. En Francia, donde McDonald's es muy popular, las medidas anticovid habían limitado los movimientos de los consumidores hasta no hace mucho.
La campaña simplemente hace una pregunta (Guess who's back?) y presenta imágenes pixeladas de los productos a la audiencia. En realidad, no estás viendo nada, pero la compañía da por sentado que los consumidores van a ser capaces de unir los puntos e identificar qué se esconde tras ellos. Se podría decir que la acción de marketing no se lo pone fácil a los consumidores, espera que ellos hagan un esfuerzo por su parte. Se espera que ellos sean capaces de identificar sus colores corporativos y sus platos estrella.
Esta campaña, destinada a publicidad en exteriores, no es la primera que McDonald's lanza con este patrón de acción. Hace unos meses, otra campaña de exteriores, diseñada en este caso por Leo Burnett, Lights On, usaba solo pequeñas pinceladas de la imagen corporativa de la marca. Los arcos dorados de McDonald's se servían en fragmentos, en teoría incompletos e irreconocibles en la práctica muy identificables por unos consumidores muy acostumbrados a su logo.
También entra en esa línea otra campaña de exteriores previa, en la que el gigante no mostraba ni productos ni su nombre ni su logo. Simplemente hacía una lista de los ingredientes de sus recetas icónicas en una tipografía de marca y usando sus colores corporativos.
A pesar de su aparente simplicidad, las campañas resultaban llamativas e impactantes, algo clave en un momento en el que la publicidad en exteriores debe ser creativa y llamativa si quiere ser relevante.
El salto al minimalismo
Pero volviendo a la simplicidad de los elementos, la idea conecta con la tendencia general que McDonald's está siguiendo en los últimos años en branding y diseño. La compañía se ha vuelto minimalista.
Igual que Burger King, McDonald's también ha hecho este año rebranding al menos en el packaging. Su nuevo packaging es simple, ultra limpio. La compañía presentaba el cambio como un "parte de una evolución más amplia de la marca", con ambición global, diseño colorista y gráficos simples de colores. Todo es sencillo y todo quiere capturar lo icónico de la marca sin excesos.
Encaja con lo que la marca lleva años haciendo. Cuando presentaron su último rebranding, de hecho, llegaron a hablar de Marie Kondo y de la filosofía de decluttering que esta encarna, la de eliminar todo lo superfluo.
Por supuesto, todo este minimalismo les funciona muy bien porque McDonald's tiene una imagen de marca muy firmemente establecida, una que hará que los consumidores rellenen los huecos.
Nota original: Puro Marketing
La curiosa historia del logo de Harley-Davidson y el nacimiento de LiveWire
La marca Harley-Davidson es una leyenda dentro del mundo a motor sobre dos ruedas. Un símbolo de rebeldía, de libertad, de rock n’ roll y de exprimir la vida.
Si hay un icono que durante años ha reflejado ese espíritu y esa cultura de vida es su logotipo. Su valor es inmenso. Un dato curioso: los ingresos que la marca recibía en 2010 por ceder la licencia del logo de Harley-Davidson alcanzaba los 40 millones de dólares de sus ingresos netos solo en 2010.
Ahora la familia Harley-Davidson estrena nuevo logo, LiveWire, para la división eléctrica de la marca sobre dos ruedas. Una ocasión perfecta para repasar la historia de la identidad de la compañía de Milwaukee (Wisconsin).
Historia legendaria
Tenemos que remontarnos 120 años atrás para conocer la historia de Harley-Davidson. El primer dato curioso es el naming. En 1901, William S. Harley, un joven de 20 años, y su amigo Arthur Davidson, diseñaron su primer pequeño motor de bicicleta. Dos años más tarde nacía su primera bicicleta motorizada que lanzaron en 1903 con el nombre de Harley. A este dueto se unió el hermano de Artur, el ingeniero Walter Davidson, y juntos fundaron la compañía: Harley-Davidson.
El nombre de la marca, como es habitual en muchos casos, quedaba resuelto mediante la suma de los apellidos de los fundadores. Y el logotipo de Harley-Davidson, ¿cuándo llega?
Primer logotipo de Harley-Davidson y su evolución
Hubo que esperar hasta 1910 para que la marca tuviera una identidad visual. Ese año nacía la primera versión del logotipo ‘Bar and Shield’, distintivo de la empresa. En primer plano se leía rotulado el nombre de la marca ‘Harley-Davidson’ y en un segundo plano, en el escudo se hacía referencia al producto ‘Motor Cycles’.
Posteriormente, el logo de Harley cambió en repetidas veces. Por ejemplo, en 1930 el logo contenía solo el nombre de la firma en letras rojas con el contorno amarillo sobre fondo blanco.
Tan solo tres años después, en una nueva versión de 1933, el símbolo permanecía, pero el color de fondo se transformó en negro y naranja, los colores actuales de la marca. Esta ligera modificación cromática permitió que la inscripción en el logotipo de Harley-Davidson se leyera mucho mejor.
Entre 1940-1946 hubo un nuevo rebranding. El logotipo parecía una imagen en forma de gota de metal con la inscripción Harley-Davidson.
Una década después, en 1953, coincidiendo con el 50 aniversario del nacimiento de la marca, el logo dio un giro. En primer plano se leía Harley-Davidson, pero con una tipografía mucho más estilizada. En el fondo de este logotipo conmemorativo apareció la letra ‘V’ a gran tamaño, como símbolo de los motores V-Twin.
La versión de este emblema de Harley-Davidson estaba presente en los guardabarros delanteros de los modelos de motocicletas que se produjeron en 1954. El logo estaba diseñado en un círculo, y la letra V iba más allá de sus límites. También incluía las inscripciones ‘Harley-Davidson’ y ‘50 años’ en la parte superior del escudo y una inscripción que indicaba ‘Fabricado en Estados Unidos’.
Nace el clásico Bar and Shield de Harley Davidson
El logotipo más conocido y popular de Harley-Davidson se introdujo en 1965. El logotipo en sí es el característico Bar and Shield que todos conocemos hoy. Sus principales características son el aspecto sólido, con cierto aire industrial, que aportan tanto el escudo como la tipografía sans serif.
La fuente utilizada para el logotipo de Harley-Davidson es muy similar a la Compacta Regular, una fuente sans serif condensada diseñada por Fred Lambert y publicada por Linotype. Este logotipo aún es utilizado hoy por la compañía, con algún ligero cambio.
En 2003 y en honor a su centenario, Harley-Davidson presentó un nuevo diseño de su logo. El emblemático Bar and Shield permanecía, pero envuelto por unas alas a su alrededor (muy similar a los casos Bentley o Mini) y el número 100 en conmemoración de los 100 años. Junto a todo ello figuraban las fechas 1903 (el año de la fundación de la empresa) y 2003 (el año del aniversario). Todo infinitamente recargado.
Al parecer la compañía le cogió cariño a los logos conmemorativos porque nuevamente en 2008 hizo una versión con motivo del 105 aniversario. Otra curiosidad. Esta versión del logotipo solo estuvo disponible en motocicletas Dyna Fat Bob, Rocker y Rocker C que se fabricaron ese año.
Actualmente, el logotipo de Harley-Davidson más utilizado es el Bar and Shield en los tradicionales de negro y naranja. También hay otras versiones del logotipo diseñadas en una versión acero, simple y concisa.
Además del logotipo, el universo gráfico de Harley-Davidson se acompaña de una inmensa iconografía, de aspecto rebelde y, a veces oscuro, que sirve como merchandising.
LiveWire, el logo de Harley-Davidson para su división eléctrica
Los nuevos tiempos obligan a evolucionar y adaptarse a los cambios tecnológicos, también en el universo más clásico de las dos ruedas. ¿Cómo reflejar ese espíritu en la división eléctrica de Harley-Davidson?
Lo cierto es que las diferencias son notables entre ambos logos. La marca nace completamente independiente. Así, el nuevo logo de LiveWire presenta un estilo infinitamente más conceptual, minimalista y moderno.
El blanco y el negro muestran un aspecto bastante aséptico, a lo que acompaña la tipografía sans serif, estilizada y de tintes futuristas. El blanco impera sobre el negro, con un aire más angelical, limpio y puro, a diferencia de lo que sucede con su marca matriz, Harley-Davidson.
Los aires vintage del clásico Bar and Shield desaparecen por completo. Y no existe ningún elemento visual que ayude a vincular la versión eléctrica de la marca con sus orígenes Harley-Davidson.
El logo de LiveWire definitivo nada tiene que ver con las dos versiones que llegaron a filtrarse a la prensa en 2020. En la primera versión se leía ‘Harley-Davidson’ escrito en un anillo. Y en la segunda versión se leían las iniciales (HD) grabadas sobre un escudo. En ambos casos, un rayo en vertical y cruzado adornaba los logotipos, lo que quiso interpretarse como un guiño al motor eléctrico.
Una vez vistos los ingredientes del logo clásico, la duda que nos surge es, ¿logrará Harley-Davidson mantener viva su leyenda a través de esta nueva identidad?
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Portadas de podcast: un terreno gráfico por explorar
Posiblemente, muchos de quienes leéis estas líneas habéis escuchado un podcast estos últimos días, incluso, puede que lo estéis haciendo ahora. La gran variedad de contenidos y el poder escucharlos en cualquier momento ha hecho que el podcast conquiste nuestros oídos y nuestros dispositivos.
¿Qué tiene esto que ver con el diseño? Mucho. Si no, párate a pensar. ¿Desde dónde te conectas a tu programa o tu podcast favorito? ¿Desde tu móvil, tu tablet, tu ordenador personal? O lo que es lo mismo, desde una pantalla. Y consecuentemente hay un vínculo con una imagen —las portadas de podcast— ya sea mediante ilustración, fotografía o animación.
Y así llegamos al punto que nos interesa. El éxito de un programa de podcast, ¿va necesariamente acompañado de un gran diseño de portada? Cada vez más, la respuesta es sí. Sin embargo, aún queda mucho terreno por explorar.
Pensemos, ¿qué es lo que hace que un podcast sea capaz de conseguir más oyentes y suscriptores? Por supuesto, la calidad de sus contenidos. Pero también la necesidad de destacar y distinguirse en un mercado altamente competitivo. Y ahí tiene mucho que decir el diseño.
Importancia del diseño
Dentro de la selva de los podcasts, sobresalir frente a la competencia y atraer oyentes no es tarea fácil. En este sentido, el diseño juega un papel fundamental como herramienta de persuasión y de comunicación.
Al igual que durante años ha sucedido en el terreno de la música con el diseño de las portadas de discos, cuyo objetivo era conseguir una identidad que destacara en el saturado mercado musical, ahora con las portadas de podcasts sucede algo muy similar.
El uso de un lenguaje gráfico adecuado ayuda a transmitir ideas y narrativas. Por ello, una buena portada no solo comunica la esencia de un podcast, sino que determina la cantidad de ‘clics’ que obtiene un episodio.
Construir una conexión casi mágica, un puente entre el universo gráfico y sonoro que sirva de nexo con el oyente, tal y como sucedía años atrás con las portadas de discos. ¿Acaso no debería ser ese el objetivo? Los mensajes visuales de estos soportes ayudaban a generar emociones y sensaciones, creando incluso un sentimiento de pertenencia de grupo. ¿Qué se puede hacer en el sector de los podcasts para mejorar esta conexión?
De simple contenedor de audio a experiencia narrativa
En primer lugar hay que tener en cuenta las particularidades del formato. Y para ello tenemos que hacer un pequeño repaso histórico.
La palabra podcast es el resultado de la unión de Ipod y Broadcasting. Empezó a conocerse gracias al periodista y tecnólogo Ben Hammersly, quien acuñó el término para The Guardian en 2004. Pero fue el desarrollador Dave Winer quien impulsó este soporte al incluir notas de voz en los blogs de la época.
A partir de ese momento, la evolución de los podcasts ha sido exponencial, y hoy en día, se han convertido en una experiencia narrativa mucho más sofisticada e intimista.
Somos los usuarios quienes escogemos de forma activa aquellos contenidos que mejor conectan con nuestros intereses. Esta elección tan personal genera un espacio de complicidad entre el creador de contenidos y el oyente.
Nuevos formatos, más lúdicos, inmersivos y multicanal
La variedad de formatos es cada vez más amplia. Por un lado, tenemos los podcasts más básicos. Es decir, episodios que son extraídos de programas de la radio con el fin de ofrecer los contenidos a la carta.
Sin embargo, estamos ante una nueva forma de consumir contenido en la era digital. A estos espacios más tradicionales se han sumado nuevos formatos más complejos. Ahora los programas no son simplemente archivos de audio; son una experiencia inmersiva y multicanal. Veamos algunos ejemplos.
En el terreno anglosajón, encontramos el podcast The Floodlines, del magazine multiplataforma The Atlantic. Donde cada episodio nos sumerge en la historia del desastre del huracán Katrina mediante el sonido, pero también mediante una gráfica muy cuidada.
En una línea más lúdica, en España, un podcast que ha conquistado a la audiencia es Estirando el chicle, el programa de Carolina Iglesias y Victoria Martín. Además de emitirse como podcast, también es posible visualizarlo a través de YouTube —con un set diseñado específicamente—, y seguir en redes sociales con contenidos trabajados gráficamente desde un punto de vista global de marca.
Un podcast que en España ha roto todos los esquemas y previsiones ha sido El gran apagón, una de las primeras series de ficción, con más de seis millones de descargas.
Es más. Vivimos una nueva era, la de la oralidad narrativa transmedia, donde los algoritmos hablan. Por ejemplo, las series de televisión ya no son solo series. Ahora, incluyen páginas web, textos y también los podcast. Es el caso de La caza Tramuntana, un audio juego basado en la serie de televisión. Para jugar tan solo hay que pedirle a Alexa o Google Home activar la app. Nos adentramos también en el diseño de la gamificación, la usabilidad y de la experiencia de usuario.
Portadas de podcast: expectativas vs. realidad
La realidad es que existen alrededor de 900.000 programas de podcast en inglés y unos 100.000 en castellano. Sin embargo, como observa el diseñador y director creativo en Spotify, Timothy McAuliffe, la mayoría de las portadas de podcast de la lista top 10 no están diseñadas. Ahí está lo sorprendente. Son pocos los podcasts que apuestan por una portada gráficamente atractiva y bien trabajada. Una diferencia, en cuanto a calidad de diseño, que se ve acentuada entre el mercado anglosajón y el hispanohablante.
Aun así, existen casos concretos de diseños de portadas de podcast muy atractivos, con un lenguaje visual propio y que son capaces de comunicar el enfoque del propio podcast y alimentar la curiosidad del oyente.
En el apartado de buenas prácticas, destaca el mercado norteamericano, con claros ejemplos de calidad gráfica. El catálogo es más extenso y las portadas son sustancialmente mejores, quizás porque también hay una mayor cantidad de recursos económicos.
En el mercado de España y Latinoamérica, las propuestas de portadas de podcast mejor tratadas corresponden a canales como Podium Podcast, Cadena SER o Spotify Original. Todas ellas han apostado claramente por el formato audio y, en general, ofrecen portadas bastante interesantes y variadas para cada uno de sus programas. Son atractivas y están bien resueltas mediante el empleo de la semiótica desde la gráfica visual.
Conclusiones
Escuchamos podcast en el trabajo, cuando viajamos en el metro, antes de irnos a dormir… Con total libertad de horarios y contenidos. Es raro que no encuentres a tu media naranja sonora.
Ahora, este amplio campo sonoro también ha abierto un nuevo terreno en el ámbito del diseño gráfico, el diseño ux y la usabilidad. Más aún cuando en un mercado multiplataforma y multiexperiencial, cada día más competitivo. ¿Por qué no hacer del diseño un aliado para hacer brillar las portadas de estos soportes y formatos?
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Audio branding: el sonido de las marcas en 2021
La pandemia nos deja un mundo en el que las marcas se han humanizado y proponen comunicaciones más honestas e íntimas. En 2021, las marcas conversan, dialogan y desean ser entendidas de una manera clara para ofrecer una experiencia humana que mejore realmente la vida de las personas. Una herramienta clave en este proceso es el audio branding.
A medida que esta relación entre las marcas y los consumidores es más cercana y experiencial, ha habido una toma de conciencia del poder que tiene el que, tal vez, es el medio más creativo y emotivo a su disposición: el sonido. Y en particular, el sonido organizado de alguna manera: la música.
Hoy más que nunca las marcas deben considerar cómo integrar de forma auténtica el sonido en su estrategia global de comunicación. Es vital y determinante que puedan hablar a sus clientes, al mismo tiempo que refuerzan la marca.
La música es un lenguaje que cuenta con un vocabulario extenso y una gramática muy rica. Si gestionamos estos aspectos con un prisma de branding, podemos lograr que una marca pueda explicarse con efectividad y detalle al mismo tiempo que incrementamos el valor emocional de sus activos intangibles.
Una importante ventaja es que la música es un idioma universal que trasciende geografías y culturas y conecta a las personas con una marca a nivel emocional; puede transmitir rápidamente lo que a veces no se puede decir con palabras. Además, crea reconocimiento gracias a un sistema sonoro consistente en todos los puntos de contacto, mercados, agencias y temporadas.
Ahora es el momento
Hay autores que han bautizado el 2021 como ‘The Year of the Ear’. El nacimiento de un nuevo escenario mediático, gracias a la explosión de redes sociales y plataformas junto con la multiplicación de canales y oportunidades, ha creado nuevas formas y nuevas experiencias de escucha. El entorno establecido hoy es muy favorable para el desarrollo y consolidación de esta disciplina conocida como audio branding o sonic branding.
Los nuevos dispositivos y los nuevos medios nos permiten una relación mucho más sonora con las marcas. Pensemos en la explosión y consolidación del podcast, en redes sociales como Clubhouse, en los servicios de streaming cada vez más indispensables en nuestro día a día. Y, sobre todo, en el universo en expansión de los altavoces inteligentes y otros gadgets activados por voz.
Además, cada vez son más los estudios y herramientas a nuestra mano que han conseguido de algún modo aislar los efectos del sonido y demostrar su enorme poder y capacidad de influencia.
El impulso definitivo de la ciencia
Investigaciones recientes revelan que las marcas multisensoriales son más fuertes que las simples marcas visuales. Esto se debe a que cuanto más involucremos a los sentidos, más fácil lo tendremos para que la marca resuene y conecte con sus clientes.
Un importante estudio internacional del instituto IPSOS demostró que las señales o assets sonoros son más poderosos para llamar la atención que cualquier otra señal de marca, incluso por encima de activos de marca históricamente explotados como las celebridades o las mascotas.
En un mundo digital, la identidad de una marca no se despliega solo con logos, tipografías y diseño de campañas, sino que también lo hace con el comportamiento y la expresión de esa marca a través de multitud de canales. Esto implica que en esas experiencias de marca entran en juego todos los sentidos: visual, táctil, auditivo e incluso el olfativo. En el caso del sonido, este trabaja para forjar impresiones y recuerdos profundos en nuestro cerebro y es una herramienta poderosa para los responsables de marca.
En Vueling, por ejemplo, la identidad sonora sirve para evocar múltiples sensaciones. Además, revela la facilidad y sencillez de volar con la empresa a la vez que expresa el movimiento inherente de los viajes y lugares, con tarifas asequibles.
Branding sonoro: todo son ventajas
Contar con un sistema de audio branding alineado con la estrategia de la marca aporta mucho más que un impacto. Nos informa sobre su posicionamiento, nos hace participar de sus significados y permite a la marca expresar fielmente su personalidad. A través del sonido, el mensaje de una marca no se percibe en su sentido literal, sino simbólico, siendo una forma mucho menos intrusiva —aunque tremendamente efectiva— de hacerse entender.
Por ejemplo, en el caso de Axa, la identidad sonora lleva 12 años en uso. Ello no ha impedido que evolucione en el tiempo con la marca. La solución en este caso fue tener como elemento principal la repetición por 10 veces de la misma nota. Un hecho que genera una poderosa fuerza.
Los elementos del audio branding: un universo
Una identidad sonora es mucho más que las notas que escuchas cuando el logo se anima al final de un anuncio, aunque ese sea un activo importante. Un sistema de identidad sonora tiene muchos elementos y capas que se pueden usar de diversas formas en una variedad de puntos de contacto y experiencias de marca. Todos los entornos, momentos o plataformas donde la marca emite sonidos pueden formar parte de un sistema de audio branding.
La marca sonora tiene vocación integral: no se trata solo de un audio logo y la música en tus anuncios. El audio branding o sonic branding abarca los sonidos en todos los dispositivos, el propio sonido de tu producto, la música en espera, la confirmación de un pago realizado correctamente. También incluye el universo sonoro de tu podcast o la voz de tu skill en los altavoces inteligentes.
Todo ello debe ser gestionado bajo un punto de vista amplio y estratégico de la marca. El audio branding integrado puede incluir música, diseño sonoro para señales y alertas, y por supuesto la voz, como un activo profundamente identitario.
En ese sentido, los asistentes de voz están agregando un nuevo nivel de complejidad. No se trata solo de los sonidos o la música de la marca, sino también de la voz. Para tu experiencia digital de voz, ¿deseas seleccionarla a partir de un catálogo limitado proporcionado por Alexa o Google Assistant o bien obtendrás una voz única y propia de marca?
Desarrollar y desplegar una buena estrategia de identidad sonora
Muchas empresas comienzan la exploración de su identidad sonora pensando en música cuando en lo que deberían pensar es en su marca. Para desarrollar una buena estrategia de identidad sonora se deben tener claros los valores, atributos, beneficios y la personalidad de la marca, adoptando un marco conceptual con enfoque de marca, no musical.
Solo así un diseñador sonoro del equipo podrá entonces recoger apropiadamente el encargo para crear el sistema de música y sonidos que refleje y mejore la marca. La parte más activa y dedicada del sistema será el audio logo, flexible, adaptable y con una gran capacidad de recuerdo.
Las estrategias con las marcas de todo el mundo con las que trabajamos en Sixième Son parten de convicciones profundas. A la hora de desarrollar una estrategia de audio branding para una marca, lo ideal es crear grupo de trabajo y aplicar una metodología que permita realizar un seguimiento continuado, y trabajar con flexibilidad, pragmatismo y rendimiento. El éxito de una identidad sonora está fundamentado también en la confianza entre las partes y en establecer procedimientos para la adopción de consensos. Hay que organizar un marco de trabajo entre la agencia y la marca del que pueda nacer una propuesta auténtica y perdurable.
En el caso de Michelin, desde 2009 la marca viene liderando el terreno del audio branding con una sólida identidad sonora que ha sabido evolucionar. Así, en 2019 fue renovada transmitiendo más cariño, pero conservando sus puntos fuertes (reconocimiento, memorización, impacto).
Estoy convencid@: ¿Cómo empezar?
Una identidad sonora debe responder a la pregunta: ¿cómo suena mi marca? Quizás no lo haga de una forma estratégica, pero esa marca está ya emitiendo sonidos en puntos de contacto muy diversos aunque no los estemos gestionando. Antes que nada, es necesario detectar en qué puntos y momentos suena mi marca y cómo lo hace.
Hay que tener en cuenta que todos los entornos, momentos o plataformas donde la marca emite sonidos pueden formar parte de un sistema de audio branding.
La marca sonora tiene vocación integral: no se trata solo de añadir un audio logo y música de marca en tus anuncios. Se trata de gestionar estratégicamente los sonidos en todos los dispositivos, el propio sonido de tu producto, la música en espera, la confirmación de un pago realizado correctamente, como por ejemplo sucede con Mastercard, el universo sonoro de tu podcast o la voz de tu skill en los altavoces inteligentes.
Todo ello debe ser tratado desde la estrategia de marca. Puede incluir música, diseño sonoro para señales y alertas y, por supuesto la voz, como un activo profundamente identitario. En ese sentido, los asistentes de voz añaden un nuevo nivel de desarrollo.
Una vez que tengo mi sonido, ¿cómo se traslada a las diferentes estrategias y plataformas?
Es una de las claves de una buena estrategia de audio branding. Alguna gran marca española tiene precisamente este problema en la actualidad. Decidió obtener una identidad sonora con un músico de renombre y lo publicitó con vehemencia e intensidad, pero pronto se dio cuenta de que lo que en realidad tenían es una bonita pieza musical sin ninguna estrategia detrás.
Al ser una pieza estática y no partir de un proceso de audio branding, presenta muchas limitaciones, ya que no se cuenta con una línea clara de desarrollo y de gestión, y no es declinable. En estos casos, no se ha concebido un universo sonoro de marca para crear un sistema robusto.
Un proceso de identidad sonora no es pues una simple pieza musical, sino un sistema en el cual aportas estructura con una herramienta de marca consistente que ayuda a diferenciarla positivamente, con flexibilidad y claridad. De esta manera, la marca contará con un nuevo vector de expresión con la adopción de un código sonoro propio declinado en todos los puntos de contacto según las particularidades de cada uno. Para declinarlo con éxito debe contarse con el seguimiento y el análisis atento y riguroso de una agencia con una metodología experta que sepa entender el reto musical y el reto de marca al mismo tiempo.
Los retos del audio branding
A veces se confunde nuestro reto pensando que se trata esencialmente de generar atribución y eso es una gran equivocación. El auténtico desafío es crear valor y engagement.
En un contexto de multiplicación de puntos de contacto sonoro —y por lo tanto de oportunidades—, estamos detectando una interesante, pero a veces confusa proliferación de señales y alertas para transmitir la función de los productos en el marco de la marca. El gran reto de nuestra disciplina es aportar valor.
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¿Cuándo el precio de una tipografía es demasiado elevado? El caso BBC
El rediseño del nuevo logo de la BBC ha abierto un intenso debate mediático. El rotativo The Sun, amanecía hace escasos días con un titular arrasador: “La BBC derrochó decenas de miles en un nuevo logotipo… pero se ve prácticamente idéntico”. El aluvión de mensajes de personas quejándose sobre el supuesto ‘despilfarro’ de la televisión pública no tardó en llegar en las redes sociales. Las alarmas en la sociedad británica habían saltado.
La cuestión de fondo es, ¿qué significa en términos de mejora de diseño ese cambio aparentemente ‘idéntico’? En realidad, ¿hasta qué punto es justo decir que el coste económico de este rebranding es desproporcionado? ¿Está justificado todo ese revuelo?
Como suele ser habitual, todo es un tema de poner en perspectiva y darle contexto al caso. Hoy contamos con las voces expertas de Pedro Arilla, diseñador y tipógrafo en Arilla Type Studio y Andreu Balius, tipógrafo y diseñador de tipografías en Type Republic para conocer los pormenores del rebranding de BBC.
El contexto
Este 2021 la BBC ha decidido realizar una actualización del logotipo que en 1997 realizó la agencia Lambie-Nairn. Los cambios que presenta el rediseño son aparentemente muy ligeros, especialmente para un ojo no adiestrado en temas de diseño.
Los cambios se centran en dos aspectos. Por un lado, en el espaciado de los cuadros icónicos en los que se insertan por separado las iniciales, B B C, que ahora es un poco más amplio y permite reducir las letras. Por otro lado, la actualización de la tipografía. Así, la Gill Sans presente en el logotipo de 1997 es reemplazada por Reith, la fuente diseñada adhoc por el equipo de Dalton Maag para la BBC en 2017. Ahí es donde radica la importancia de esta transformación.
Ligeros cambios, pero significativos
En ocasiones, un ligero cambio es lo que hace que algo brille mucho mejor. Esto mismo, aplicado en el terreno de la identidad corporativa de la BBC, ¿qué puede implicar? La respuesta nos la da Pedro Arilla. “Desde un punto de vista de concepto de forma, el rediseño es más evolutivo que revolucionario. Eso no es malo, pero es ciertamente más difícil de entender para el público no especializado”, explica.
“Sin embargo, desde un punto de vista tipográfico, los cambios son enormes: el aroma tipográfico es muchísimo más contemporáneo y el rendimiento de reproducción ha sido optimizado para todo tipo de formatos”, afirma Pedro Arilla.
Rediseño del logo de BBC, ¿necesario o innecesario?
Otra cuestión que plantea el caso BBC es, ¿si el logo ya funciona, por qué hacer más cambios de los necesarios? Un tema que no es tan sencillo. Para llegar a este punto, “seguramente se habrá invertido tiempo y se habrá investigado a fondo el mercado”, según explica Andreu Balius. “Que se haya llegado a la conclusión de que no hace falta un cambio radical, creo que no desmerece el trabajo realizado. Al contrario, resulta incluso honesto”. Y puntualiza: “Lo fácil sería cambiar radicalmente para que el trabajo de rebranding se haga explícito”.
El coste económico de ‘miles de libras’ ¿cómo se justifica?
El coste económico ha sido en gran parte el causante de este revuelo mediático. Aquí la cuestión es, ¿hasta qué punto es elevado o no ese desembolso? Pedro Arilla aclara: “Antes de nada, hay que recalcar que The Sun es un diario incendiario y que siempre antepone un titular dañino a la verdad. Dicho esto, me gustaría saber la cifra exacta a la que se refieren en el titular”, indica.
“Además, sospecho que en la misma partida está la inversión en la nueva tipografía propietaria de la BBC (BBC Reith) y su implantación”, puntualiza Arilla. De ahí que la cantidad de libras resulte en apariencia desorbitada.
Un punto en el que coincide Andreu Balius: «Intuyo que el gasto estará más en el estudio realizado, todo lo que hay detrás del rediseño, que no en el rediseño en sí mismo”.
¿Adaptar o no adaptar? Esa es la cuestión
El siguiente nivel es saber ¿qué consecuencias podría tener para una marca como BBC no adaptar su identidad tipográficamente a los nuevos tiempos? Para Pedro Arilla todo es relativo. “Nadie va a morir si el logo de la BBC no se actualiza. Pero si nos metemos dentro del departamento de branding de la BBC, había claramente ciertos problemas que era mejor resolver como pueden ser la necesidad de ahorrar costes en pago de licencias tipográficas, y la actualización y adaptación del logotipo al siglo XXI mediante un sutil proceso de refinamiento tipográfico.
Por otro lado, Arilla aclara: “si no miramos solo al logo y atendemos a nivel macro al nuevo sistema tipográfico: el cambio es brutal, con una familia de fuentes específicamente diseñadas para funcionar en entornos digitales”.
Otro punto de vista es el de Andreu Balius: “Cambiar por cambiar no tiene sentido, a menos que esté fundamentado. Estamos hartos de ver cambios innecesarios que no llevan a ninguna parte”, indica. Sin embargo, también puntualiza: “A veces ligeros cambios en un logotipo pueden ser muy importantes: un ligero redondeado en los ángulos de las letras (por ejemplo) puede ofrecer una imagen menos agresiva de un logotipo. Y esto puede ser importantísimo para la estrategia de marca de una empresa o un producto”.
Problema de fondo
Esta cuestión nos lleva a un problema de fondo. “Llegar a estas conclusiones que pueden resultar tan simples, puede requerir mucho tiempo de investigación. Y eso se paga”, explica Balius. “Y en otros países (no en España) se paga y se valora correctamente”.
A veces, es sumamente complejo hacer que el público general entienda la importancia de esos ligeros (pero significativos) cambios. Como cierre, las palabras de Pedro Arilla: “No hay que perder la perspectiva ni volverse locos”. Y un símil bastante gráfico que nos deja para entenderlo: “un huevo frito siempre va a ser un huevo frito; pero no es lo mismo que lo cocine yo a que lo haga un chef de primera línea. Aquí ocurre algo parecido: no dejan de ser tres letras dentro de tres cuadrados, pero unas están mejor que otras”.
Por nuestra parte, no podemos dejar de cuestionarnos algunas preguntas. ¿Qué pasaría si un periódico no tuviera una buena tipografía, sólida, potente y equilibrada en su cabecera? ¿Qué pasaría si su familia de fuentes presenta una difícil lectura y no se adapta a las necesidades de legibilidad de los lectores? ¿Qué sucedería si ese mismo periódico siguiera utilizando la Times New Roman en sus columnas de opinión? ¿No sería todo un desastre? ¿Acaso no lo acusarían de tener una identidad desfasada y poco acorde a los nuevos tiempos? Lo ideal por parte de los medios, ¿no sería aportar menos sensacionalismo y más divulgación?
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Yves Zimmermann, pionero y maestro
El diseñador, mentor y editor hispano-suizo Yves Zimmermann fallecía el domingo 4 de julio de 2021 a los 84 años. Su legado en el terreno de la identidad corporativa en España ha sido inmenso, hoy le recordamos a través de un repaso por sus trabajos.
Yves Zimmermann nació en Basilea (Suiza), en 1937. Allí, se inició en el oficio de diseñador, más concretamente como componedor de letras, donde trabajó en una imprenta. Estudió en la prestigiosa Allgemeine Gewerbeschule Basel, dentro del movimiento de diseño gráfico conocido como Escuela de Basilea.
En aquella época entró en contacto académico con el también diseñador y tipógrafo suizo Emil Ruder, una figura fundamental en su carrera. La vocación de Zimmermann era diseñar, más que componer. Así, Ruder le recomendó salir de Basilea y trasladarse a Nueva York.
Eran los años 50, una época en la que el diseño suizo estaba sumamente cotizado. Los estudios neoyorquinos estaban fascinados por el uso de la síntesis de recursos visuales, la modulación de la retícula y las tipografías sans serif. Para un diseñador suizo como el caso de Yves Zimmermann, era una ocasión perfecta para trasladarse a Estados Unidos y crecer profesionalmente. Fue en Nueva York donde absorbió el método de trabajo en el terreno de la identidad corporativa para grandes marcas.
Con ese periodo de aprendizaje, Zimmermann regresó a Suiza, pero por poco tiempo. En Basilea estaban los laboratorios Geigy (ahora Novartis), donde empezó a trabajar como diseñador, y en breve le propusieron trasladarse a su oficina en Barcelona. Esa propuesta cambió su vida.
Llegada a Barcelona
Con tan solo 24 años, el joven Zimmermann llegó en 1961 a Barcelona, una ciudad que le fascinó y donde se estableció para siempre. En la capital catalana, pasó de trabajar como simple diseñador a director de arte del laboratorio Geigy. Y años más tarde, abrió su propio estudio en 1968. Allí trabajó todas las áreas del diseño, desde la identidad corporativa hasta el packaging o el diseño editorial.
Entre su cartera de clientes figuran grandes marcas e instituciones como el AENA, Airtel, Banco de España, Carolina Herrera, Puig, Paco Rabanne, ISDIN, Ene, Círculo de Lectores y Vittorio y Lucchino.
Editor, divulgador y mentor
Un apartado importante a lo largo de su carrera fue la de editor. Especialmente, estableció un fuerte vínculo con la editorial Gustavo Gili. Yves Zimmermann fue quien diseñó el logo con estas sencillas siglas ‘GG’ en helvetica que definen todavía hoy la identidad de la editorial. Además, desde los años 70, tuvo un papel importantísimo como editor y divulgador.
Dirigió colecciones fundamentales para el desarrollo de una cultura del diseño y la formación de nuevos diseñadores. Por ejemplo, la colección Diseño de GG abarcaba libros sobre cine, diseño, arquitectura, semiótica, estética, arte, comunicación visual; áreas hasta el momento casi desconocidas en España. De esta forma, Zimmermann abrió una inmensa puerta a la divulgación de la cultura gráfica y visual en habla hispana.
También inició una extensa faceta como docente, especialmente en Elisava y Eina, dos de las escuelas referentes de diseño de Barcelona, cantera de numerosas generaciones. En estos años vinculados a la enseñanza fue mentor de numerosos diseñadores. Por ejemplo, de Toni Misechachs, de quien fue profesor y posteriormente estuvo trabajando como aprendiz en el Departamento de Propaganda de Laboratorios Geigy.
Sus enseñanzas fueron muchas. Yves Zimmermann fue un firme defensor del diseño como herramienta para resolver problemas; no como meramente ejercicio estético.
“Lo que se tiene que comunicar, se reduce a la esencia misma. Fuera todo lo que es insignificante”
Yves Zimmermann
En el terreno del asociacionismo también tuvo un papel importante. Junto con André Ricard fue uno de los propulsores del nacimiento de la ADP, la Asociación de Diseñadores Profesionales. Su labor divulgadora y promotora del diseño le llevaron a recibir numerosos premios más destacados en España, destacando el Premio Nacional de Diseño en 1995 y el Laus de Honor en 2016.
Promotor del diseño en España y especialmente en Barcelona, Yves Zimmermann fue un auténtico revulsivo en el panorama gráfico que colaboró en la modernización del país. Su estilo y su metodología de diseño descubrió una puerta inmensa en el terreno de la cultura visual. Gracias, maestro por ese inmenso legado.
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Los Angeles Tourism estrena logo diseñado por Shepard Fairey y House Industries
Bajo la dirección de arte de Shepard Fairey, Studio Number One (SNO) y la fundición de Andy Cruz y Rich Roat, House Industries, han unido fuerzas para dar forma al nuevo logo de Los Angeles Tourism. Un trabajo de corte muy ochentero que enfatiza el espíritu optimista y recoge la diversidad de comunidades que habitan la ciudad.
Los Ángeles es una ciudad que tiene un ADN muy especial, muy pop y colorista. No es una ciudad compacta, sino más bien una pequeña colección de lugares que se expanden: las colinas de Hollywood, Sunset Boulevard, Koreatown, Silver Lake, Venecia, Crenshaw, Echo Park, y así sucesivamente. Por un lado, la ciudad cuenta con una población de aproximadamente 4 millones de personas. Por otro, alrededor del mundo millones de personas tienen sus propias ideas sobre lo que simboliza y representa la ciudad de L.A.
Esa idiosincrasia heterogénea ha sido en concreto el desafío planteado por Los Angeles Tourism & Convention Board. Había una necesidad de crear un nuevo logotipo e identidad de marca que pudiera representar a las diversas comunidades de la ciudad y al mismo tiempo abrazar el espíritu jovial y optimista de todos los angelinos.
¿Cómo encapsular en una identidad las esperanzas, sueños, expectativas y aspiraciones de los residentes, así como de los turistas y visitantes de la ciudad? La respuesta ha llegado a través de la tipografía, y también del artista y diseñador afincado en L.A. Shepard Fairey, especialmente conocido por el póster Hope, de Obama, y el proyecto Obey the Giant.
La solución ha sido desarrollar una marca denominativa que irradiara esa visión optimista y soleada del sur de California. Una sensación que también es buscada a través de la paleta de color renovada, que se aleja del simplismo del blanco y azul celeste del anterior logo. Y que al contrario que su predecesor, aporta múltiples tonalidades; tantas como pueden ofrecer las puestas de sol en la playa, el surf y el skyline de Los Ángeles. Eso sí, matizado con un efecto lavado con ácido que introduce un toque de frescura retro, muy ochentero, que sitúa a la marca al nivel de la gente de la calle.
Un logo con rasgos propios: eclecticismo retro
El anterior logo presentaba un doble problema. En primer lugar, la tipografía script era demasiado similar las tipografías de cualquier otra marca, por tanto, no era reconocida por el público. A su vez, presentaba un problema legal, ya que era demasiado genérica para proteger en la oficina de registro de marcas y abría una puerta a su posible uso indiscriminado sin licencia.
El nuevo logotipo toma la inspiración del estilo art déco clásico, los rótulos pintados a mano y las tipografías script de los restaurantes mexicanos. Un resultado ecléctico, que nos traslada a otra época y a un paraíso de ensueño y de juventud. El color y la puesta de sol nos llevan a ese espíritu playero con el que se asocia la ciudad de L.A.
“El objetivo era dejarlo abierto a la interpretación de diferentes personas y diferenciarlo de lo que están haciendo otras ciudades”, según ha explicado Shepard Fairey.
Así mismo, la forma de cúpula que proporciona el sol, queda asociada como un símbolo de la ciudad, presente en la arquitectura de muchos edificios: el Hollywood Bowl, el Observatorio Griffith, el Cinerama Dome, incluso el foso de la orquesta en el Walt Disney Concert Hall.
Optimismo, un denominador común en todas las marca ciudad
Estos últimos meses hemos visto numerosas propuestas que han aprovechado el parón de la pandemia para actualizar su identidad. Sevilla y Madeira son casos bastante cercanos, pero además de España y Europa, también otras ciudades destino como Chicago en Estados Unidos y hasta Melbourne en Australia, que recientemente han decidido presentar nuevos logotipos.
La tónica dominante en todos los casos es siempre la misma: el optimismo y el espíritu vitalista. Algo que especialmente se entiende tras un año gris, limitados a ver los muros de nuestras casas y, como máximo de nuestras ciudades. Una idea cuyo objetivo es convencer a todos los steakholders, tanto a los turistas como a las empresas, de que la ciudad que se promociona es el mejor lugar para gastar su dinero.
Ahora, el diseño del nuevo logo de Los Ángeles se suma a este énfasis por el optimismo. El proceso de adaptación se está llevando a cabo para todo tipo de soportes. Desde papelería corporativa, hasta pancartas y anuncios de televisión. Y por su puesto, también tendrá su réplica en el merchandising.
La duda que nos cabe es, ¿conseguirá con esta imagen reto ochentera atraer a la Generación Z y a los conocidos como Cool Kids With Money —uno de los objetivos de esta estrategia de cambio de identidad—? La respuesta está quizás en el eslogan de la campaña Your Comeback Starts Here. Todo vuelve, lo retro también, así que, todo es posible.
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«I love Milton Glaser», un documental imperdible
Producido por Ecuador Poster Bienal, el documental celebra la faceta profesional y humana del diseñador neoyorquino a través de la voz de diferentes diseñadores. El documental ha sido dirigido y editado por Luis López; producido por Christopher Scott, Felipe Trávez, Viviana Urvina; guión de Monserrate Freire; Motion Design por Duval Mosquera. →El Ecuador Poster Bienal® […] Nota original